8月21日,中国影视数码剪辑大赛之影像创作论坛如期在BIRTV2019举行。作为大赛的明星活动,“大师讲评活动”一直深受行业爱好者、从业者的喜爱,自2018年开启2.0模式,更名为“影像创作论坛”后,又进一步丰富了论坛内容。

在“2019影像创作论坛”上,特别邀请了知名剪辑师朱利赟、纪录片导演陈磊、景晰智作创始人、后期导演王慧婧、翎刻影视90后新锐剪辑师周元、天工异彩调色师李言、Base FX合成总监张志勇,分别分享了关于电影、纪录片及真人秀的满满全流程制作秘籍。本期摘取本次论坛关于剪辑的精彩内容,此外《哪吒》调色及《海王》特效制作的内容将在下期“制作圈”栏目呈现。

《风味人间》既是一部美食纪录片,同时也是一部商业纪录片,因此它除了将所有主题和故事集中在美食上之外,也更注重其传播效果,既要重点考虑传播的广度和效率,也要兼顾艺术性和诗意的表达。此外,这个项目还是腾讯视频S+现象级的纪录片,所以在制作上给予的所有配置和要求是最高级别的。

《风味人间》的执行总导演陈磊将该片的制作分为五个阶段。第一阶段是调研阶段,主要是收集各种资料和专家意见,用于提供素材。第二阶段中,整个团队会经过培训和研究的过程形成拍摄前的文案,该文案的作用类似剧情片剧本,但它是基于调研结果所做的一个故事可能性的预测,而实际的拍摄跟现阶段的想象和预测肯定会有差距。所以拍摄文案是拍摄过程中讲述故事的方向,而沿着这个方向行进会收获更多的东西。第三阶段是拍摄阶段,这个项目的拍摄过程长达一年半,因为导演组想要呈现整个四季里饮食和风物的变化,所以拍摄的时间跨度必须是保证跨越整个四季的。第四阶段是关键的剪辑阶段。纪录片并不像故事片有一个确定的剧本,而拍摄现场会收获很多意外的东西。因为前期调研做的研究都在导演心里,所以面对剪辑时,纪录片导演是最了解、最能处理素材的人,陈磊本身也在其参与的多部纪录片《舌尖上的中国》、《舌尖上的新年》、《风味人间》中担纲了剪辑师。剪辑过程根据每个导演的进度大约会有三到四个月的时间,作为执行总导演,陈磊最后会对整部片子的结构再做一些调整。最后阶段才是解说词的写作。无论是《舌尖上的中国》还是《风味人间》,它们的制作理念都是从影像叙事出发,而解说词是在最后剪辑完成之后才写出来的。

在拍摄之前,陈磊作为执行总导演对全片影像有一个整体的设计。在影像风格上他用三句话给所有的导演一个感性的理解:“纵横千里的时空穿越,悲欢离合的人间四季,微观世界的波澜壮阔。”归结为两个关键词就是“浓郁”和“奇丽”。在拍摄方面因为这是一个S+级的纪录片,希望相对以往的作品有一些突破,因此希望尝试一些新的拍摄手段。根据设定的“浓郁”和“奇丽”这两个关键词的影像风格,主摄影机选择ARRI Amira及Alexa Mini,在影像质感和色彩上比较接近想要的感觉,镜头配备ULTRA PRIME基本组,在影像上更接近电影的质感。但是拍纪录片不可控的情况较多,最后还用了佳能C200K和Red等稍小的机器和Alura 45-250、百微、老蛙24F14等长焦或微距的辅助镜头,另外还使用了如影2稳定器和悟2无人机航拍。

本片在影像上让观众印象最深的一个点在于微观摄影的尝试,展示了很多食物的微观世界,这是大家之前没有看过的视角,这其实是微观摄影和CG相结合的影像设计的呈现。像松花蛋松花结晶的画面,通过食物的素材加上CG制作的具有动感的特效来呈现蛋内部的世界。这未必是一个真实存在的观察视角,但这种大胆的尝试还会继续使用在《风味人间》第二季当中。除了微观摄影之外,《风味人间》还尝试了纪录片拍摄很少使用的其他一些特殊设备或表达方式,比如超高速1000格拍摄和Motion control电脑控制的轨道呈现奇观性的视角等等,未来还希望把影像奇观的手段拓展的更为广阔。

在纪录片的创作中,剪辑和前期的拍摄一样重要,好的剪辑可以为素材大大加分。陈磊将纪录片剪辑分为三个阶段:准备工作、纸上剪辑和真正在非编时间线上的剪辑。

他非常强调准备工作的重要性,准备工作占到剪辑20%的时间。在这个过程中,最重要的是重新审视自己的素材,因为纪录片实际拍摄会跟之前拍摄大纲的预设有很多不一样的地方,现场还会有很多意料之外的收获。剪辑不仅仅是把素材连接起来这么简单,它是发现一条道路的过程。在动手之前,需要长时间心无旁骛的审慎思索、笔记、回放、再回放,只为顺利到达短暂瞬间的决定性动作:找到一个剪切点。准备工作中的素材整理是一个“粗剪”的过程,细致的重新梳理一遍素材,同时也要完全抛弃自己之前对整部片子的预设,仅仅基于目前素材呈现的内容再重新考虑故事的走向,这个再创作的过程非常重要。

在纸上剪辑环节,陈磊表示他在每个小故事剪辑前都会看完素材,拿一张纸将素材中的场景归类并编排前后顺序,标记每一场的时间长度。这个过程就相当于在脑子里把影像剪辑了一遍,感受它可能呈现的效果,这对于未来在拍摄现场分镜头会有很好的帮助和训练。这个过程以视觉表达的逻辑为主,以画面的叙述为剪辑的主要考虑,文字叙述和声音在这个阶段并不用考虑太多。

在真正的时间线剪辑阶段,基于前期准备的基础之上,结构、详略、主题调整都已了然于胸了,此时要做的更多的是找到合适的剪辑点。剪辑是一个需要耐心的事情,要通过不断地试验找到最好的方法。也许一个故事有一百种或者一千种的剪辑方法,但总有最合适的,需要不断尝试去寻找。陈磊进入电视台的第一个工作就是帮助前辈老师剪片子,他认为从剪辑开始接触影视制作这个行业是非常好的,在剪辑过程中可以学习别人的拍摄,知晓影片最终呈现的形式和样貌。他有一个习惯就是每天给自己设定一个目标——至少剪出一分钟的段落,这样就不会停滞不前。

对于《风味人间》来说有三种剪辑的可能性方式。一是讲故事,用剪辑来形成故事的结构。剪辑是重新创作的过程,一开始设想的故事大纲可以与最后的剪辑完全不同,但它提供了一个蓝本,后续还有很多变化。在剪辑《风味人间》的时候他比较遵循纪录片的习惯——一个故事不超过8分钟。8分钟是基于50分钟左右的长纪录片而言，以BBC为代表模式每集有6到7个故事,每个故事不超过8分钟。但他有时也会尝试突破这个8分钟的规律。剪辑到了一定层面的时候会更注重结构。像小麦的故事和“臭味”食物的故事,是一个13分钟左右的故事,结构比原来的模式更复杂,这两个故事中会有全世界三到四个地方的内容来共同进行叙述,最后形成完整的对于事物全球性视角的故事。

第二种是表现性的剪辑。除了结构之外,剪辑在表现形式上也非常重要,特别是在呈现一个食物最美的状态或者食物高温形成的变化时,完全呈现食物美的高光时刻。表现性剪辑一方面体现在对时间和空间的把控。是将时间放大还是缩小?对空间的选择或者景别的选择?同时,剪辑时也会考虑到音乐和音效,表现性的剪辑会更多地带入音乐进去,情绪合适的音乐更容易让剪辑师更好的带进节奏。除了食物之外还有人物的表现,在拍摄葡式海鲜饭的大师出发时就采用了表现性的设计。调研时第一印象是他的粤语,导演想给人物设计适合他个性的表现方式,因此剪辑时也会配上类似《英雄本色》的出场音乐。

第三是长镜头的设计。长镜头内部所做的调度,所希望呈现的元素也是剪辑的另一种表达方式,这不是在后期完成的,而是在前期对镜头的设计中完成的。在缙云拍摄的长镜头中,当地的千年民居村落保留的非常完整,设计之初就希望呈现整个建筑的空间特色。在拍摄前设计了很多点,这些点实际上用分切镜头来呈现也是完全可以的,因为片中制作食物的人物也生活在这个空间里,所以希望用长镜头来表达。长镜头中人物穿梭在民居里,在不同点中出现了最终制作这道食物的各种食材,最后到厨房把食材汇聚到锅里做成一道菜。陈磊对长镜头的理解就是一个镜头内部的准则,剪辑的思维对创作者来说非常重要,即便是在没有剪辑的长镜头里仍然存在剪辑的思维。在拍摄现场,好的导演和摄影师,都需要有现场剪辑的思维,进入一个空间体会这个空间,并通过镜头和景别的设计呈现这个空间。分镜头也是剪辑思维的表现,对制作者来说非常重要。

陈磊入行的老师,一位纪录片的前辈曾经送给他十二个字,所谓剪辑,就是“先先后后、长长短短、多多少少”,实际上也就是顺序、长短和取舍的问题。剪辑很复杂,其实也很简单,他也希望有志于做纪录片剪辑的人能够专注做这件事,让其成为一个真正的群体。

今年3月1号芒果TV首档原创沉浸式乡村人文体验真人秀《哈哈农夫》开播,自播出以来连续多期占领全网节目的榜首。除去明星嘉宾的效应之外,如何让观众能够不自觉地爱上“农夫”呢?带着这样的思考,景晰智作以制作全流程的形式,全程参与了拍摄和后期制作。

技术革新飞快,而技术革新对于真人秀的幕后制作也产生巨大的影响。5G诞生,视频经历了从大屏时代到手机小屏创作的时代,因此在整体创意上会产生一些美学变化。创作者迎来的最大挑战是尽可能在当下完善所有的创作,提升整体内容创作上的视觉感受。这两年,景晰智作将摄像和后期结合在一起,形成了全流程的真人秀制作闭环,帮助从后期制作出发的公司在素材里挖掘更多新鲜点,也可以在拍摄阶段就把植入的想法在前端实现,《哈哈农夫》就是这一全流程闭环的一个实践案例。

近两年来对景晰智作最大的冲击是越来越多的观众对综艺更加了解,同时期待值更高。这对于从业者来说最大的挑战是全方位的视觉思维能力挑战——所有的剪辑师、摄像师、动画师是否具备真正意义上的视听基础的能力?以《哈哈农夫》成片中的几个镜头实现方案为例,逆光拍摄的含羞草、腾冲油菜花田里的微观景致和大景别的结合、三亚航拍镜头,单看某个画面并不难,但对于真人秀而言是在跟时间赛跑。每档节目90分钟的时长,从拿到素材到播出整个流程仅两周时间,而拍摄则可能是要在4天内拍出三期节目。在这么短的周期里如何呈现更好的镜头,显然对于从业人员的专业要求更高。

第一季的《哈哈农夫》是四个地域的展示,是四位嘉宾从不同城市来到四个相对有特色的中国农村体验生活。首先要体现地域的差别化制作,让观众看到不同地域的差异。而第一站西双版纳和第二站腾冲都在云南,在制作上,首先要求摄像团队,从镜头呈现中展示不一样的地域特色。在采景时,团队就发现西双版纳本身的景致是很特别的,更令人记忆犹新的是里面所有的蔬果,当下尽可能用微观或者航拍,用不同景别的切换呈现效果。而在第二次采景的素材中,产生了很直观的感受,当地的阳光非常灿烂,虽然很难预判第二站有什么新的东西产生,但至少有了新的思路。制作团队首先想到的是保留第一站的光影效果——用流动的光影呈现西双版纳的蔬果。这对于拍戏来说是容易的,因为有大量的时间可以去设定场景、布光、架设机位。而在真人秀里往往时间不允许这么做,因此在拍摄中采用尽量以创作者的心态用光影帮助构图叙事。观众在节目中可以看到一些微观景致,如蚂蚁、蜜蜂、大树底下的小树叶,在四天的拍摄时间内如何去完成这些有效素材的拍摄,这需要从团队的整体配合思路上进行考量。在西双版纳捕鱼并参与当地农活的那场戏中,呈现的背景是观众所不常见的当地热带雨林的景致,节目组希望通过嘉宾的心理去体现整个地域感,摄像最后给到的解决方案就是用光影去表现人的心理状态。前景左上方和整个下方的水面是光线运用最强的地方,也是内容上想要着重引导的地方,观众会期待能在这里看到捕鱼。而主人公身处背光的环境,身影倒影水中,观众能从辅助光中看到人物在寻找鱼的整个过程,这也是运用自然光想让观众感受的真实捕鱼场景。

整体构图上则首先要求有全景,并有景深感,让观众看到人物在自然当中是鲜活的,而不是平面的。其次光影始终帮助观众带入,帮助摄像建立其构想。但这整个过程都是抓拍而非事先的设计摆拍,在嘉宾活动的河流区域周围四五米的距离是没有摄像的,给予嘉宾自然展现自己的空间,这样就避免了嘉宾进入拍摄区域后会有一种表演的状态。从2012、2013年开始,真人秀节目中常见的是常规的扇面拍摄法,即所有制作人员围绕嘉宾三、四米的距离扇形展开。景晰在《哈哈农夫》拍摄中打破了这种做法,挑战更难的方式——360度拍摄。嘉宾四周没有任何机器,而在近10米外的位置长焦远调,一方面让浅景深更好地呈现拍摄物体的环境,另一方面给了嘉宾足够的自由来体验当下。这种拍摄方式实际上对摄像来说是比较困难的,第一长焦镜头容易虚焦,第二距离远的时候摄像无法预判嘉宾的行动,如果嘉宾快速站起来离开,很难很快的跟拍到他,这就会带来方位和创作意识上的限制。景晰的摄像团队大约有50人,基本都有十余年的电影、电视剧拍摄经验,因此在拍摄中才能实现游刃有余的调度感,预判在快速的情境下首先应该去实现什么,这即是所说的专业化的视觉思维。所有的光影构图、叙事中捕捉的画面或特写,都为了更好的实现真实感受,让视听效果提升一个台阶。

每个领域对于专业度的认知不同。以动画领域为例,其要呈现的是实际素材中没有的环节,需要在全流程制作过程中所有参与部门提供更多的有效信息,通过沟通帮助动画师了解如何去呈现。以砍甘蔗动画为例,后期导演要与动画导演沟通几个点,首先是确定在呈现画面中的几个时间点,其次让动画导演了解如何去砍甘蔗,包括甘蔗的形象和砍的方法;此外甘蔗是经济作物能够转换为糖,要呈现做糖的氛围;最后要呈现甘蔗留根、来年长出新甘蔗的画面。这个过程相当于画分镜头角本,但是分镜的重点在于没有文案配合是很难拿捏的,在制作时间紧急的情况下,如何能在文案还没给到的情况下做出基本契合的内容,如何把视听解析到最准确的层面?对于景晰来说就是要保证在短暂的时间内减少各个部门的重复劳动,将有效的时间都用在创作上,这对动画来说也是必须要掌握的视听思维。

后期的视听思维还可以与摄像形成互动创作。图中呈现的是第二站拍摄即将结束时的一个夜晚的抒情段落,剧情内容是嘉宾经历了特别辛苦的一天,下雨加上饥饿,所有的情绪累积到一起。这段戏的布光采用了影视手法,主光交代清楚整个环境,辅光描述环境当中的烟火和当时的温度,可以让观众感受到几位嘉宾的情绪是有点暗淡的。在这种抒情的真人秀里,这其实是故意把真实的现场感放大,让情绪更加饱满,叙事和人物才会更戳中观众。同时,所有的机位架设和构图选择并没有强烈的对着人物脸部,透过特写去观看他们抒情,而是在远远的全景镜头里给了嘉宾巨大的情绪释放空间,用肢体语言将彼此互相帮助、生火取暖的状态呈现出来。这种合作方式是基于景晰建立了自己的拍摄与后期的全流程闭环,使得摄像与后期形成相互促进的关系。

以往后期与摄像割裂的时候,常常有后期反馈,前期素材拍的太烂了。实际上后期无法感受到摄像所经历的是什么,而摄像拍摄时也不知道后期需要什么。现在这个连接的端口打通之后,首先摄像团队给了后期团队巨大的创作刺激和启发。在白房子场景里导演需要进行一个纯白房间的内容拍摄,但拍摄当时对于成片的气氛要求其实并不明确。导演想要呈现VR一般身临其境的体验感。后期则希望摄像在拍摄白房间的时候抓取更多的信息,通过他们拍摄的照片,双方一起来探讨可以介入创作的点,如白房间的空间感,里面提到的回忆可以用动画来呈现,动画呈现还需要跟几位人物契合。最后动画采用线描的效果来做简单勾勒,呈现“治愈感”。白房间的线条勾勒给了观众足够的留白空间,让观众通过线条的运动去感受这些人提到的童年或者对农村的印象。因为节目表达的是城市当中有生活压力的人在农村体验生活,最终改换环境后带来的心灵治愈。同时,动画创作者中还需要抓住回忆的“梦幻感”,呈现怀旧的色彩。

此外,摄像给后期团队带来的刺激是在于通过空镜的架构,让后期有更多空间去创作。摄像还会在前期创作时带着编导思维展开工作,例如片中一段旋转叶子的镜头让剪辑师看到了地域的生命感,对镜头的开篇叙事有了意识和感觉。第二站腾冲的特色除了房子和服装的民族性,在节目中还希望通过声音来体现。摄影负责人在前期拍摄时主动在当地寻找唱民歌的人,并且把两首民歌的歌词都用方言翻译为普通话。另外在录制过程中,摄像组也会思考希望展现腾冲什么样的气质,因为录制时正值雨季,画面中水滴的架构中可以让观众感受到雨水的滋润和不一样的云南。

后期在拿到素材时,对前期的素材产生新的感知和创作力,而摄像师的创作被延续和认可,则激励他们未来更新的创作。在第一次粗剪完成后,导演组跟摄像探讨的点在于未来想要呈现的是什么?是故事性、是能够让观众细心品味的内容,而不仅仅是在快速环境下释放的综艺效果。摄像带着这样的思路去拍摄就会给观众带来惊喜。例如,在一段斗鸡的故事里,节目组了解到西双版纳人民对斗鸡有着独特的情感,这种地域化的内容如何用镜头呈现?如果特意由导演组安排一场斗鸡就过于刻意,所以后期在这个文化输出上一直在找切入点。并在项目开始拍摄时,提前跟摄像反馈,希望插空拍一些关于斗鸡的内容,在实际录制中,正好嘉宾养的鸡在拍摄间歇和当地的斗鸡发生一些矛盾,摄像利用当天各种拍摄空闲的休息时间,采取不同机位抓拍的形式记录了整个过程。这些素材是散落在一天当中的,后期从中发现其可塑性,可以通过这些素材与生活在当下的主角产生有趣的反馈,所以剪辑师就构建了一个故事,表达出当地地域文化的特色。这样创作过程中两个部门达成了非常好的联动,这就是全流程带来的对自己工作更深层次的质量提升。

建立工业化的运作机制时不能仅仅停留在流程工业化上,而要强化各个工种配合工作的时间点,这样在拍摄时才会有意识展现部门合作,达到提升品质的需求。在粗剪第一轮的时候,后期导演、制作总监、剪辑指导、剪辑师、动画师、美术师、调色师以及混音师等八个部门同时在进行沟通。沟通的点在于,首先做法要符合剧情。例如片中一段是:王源打电话讲述自己的行程,并和朋友提到自己设想中云南是什么样的?这场戏的环境是一个非常简单的客厅。如何在简单的布置上呈现云南的感觉,呈现想要启动出发的感觉,这时候就要构想动画的输入方式。画面中在背景墙上开了一扇动画的窗,从窗户上衍生出所有的外部景致可以与室内景致互动,窗户又是一个很自然的载体,让观众产生由远到近的景深感和戏剧的延展。这个场景原本是夜景,现在更改了整个环境气氛,需要和调色师以及音乐音效师密切沟通,来呈现整体的效果。此外,整个过程中还要有一个故事线的延展感,要让整个画面联动起来。从窗外远处的溪流流淌到室内的沙发,形成一个景观,然后动物从沙发跃过小桥来到桌子上,整套思路是带有视觉叙事的想法。虽然整个画面在成片中出现的时长不超过6秒,但整个制作过程至少要花四天。这个想法是剧情起点的关键点——我要去农村了,我要去怎么样的农村?观众会带着期待感跟着体验接下来的生活,因此这个期待感必须要建立好。

景晰在制作《明星大侦探4》第一集《逃出无人岛》时,有一个非常大的制作难题,因为选景的局限性,当时选的景是一个没有任何嫌疑、恐怖、阴森氛围的美好公园。在视觉呈现上不可能干巴巴的把公园再现给观众,在仅有一天的拍摄过程中,只能要求摄像团队尽量捕捉一些想要的镜头,如:呈现无人深海中仰望天空的无奈、低角度的偷窥视角、主观行动路线的镜头等等。这个案例在调色上也做了很大改变,凸显画面中的红衣女来呈现她是嫌疑犯的形象,另外整体影调突出压抑感的、悬疑氛围。

很多年前朱利赟第一次看电影《云图》就忍不住为影片的多线平行叙事所着迷。“《云图》中共穿插了六条故事线,且各个故事线的内在逻辑和情绪达到了一个精准的平衡,所以我觉得这部电影是我看过的平行蒙太奇叙事的典范。”《云图》的豆瓣评分为8.1,评分好于90%的科幻片,很多高分评价都对影片的叙事手法表以肯定和赞扬。虽然很多行内人对于《云图》的接受度很高,但不少观众却表示看不懂,甚至不想看。而同样使用了平行蒙太奇叙事的《复仇者联盟4》却带给了观众不同的观影体验。在4月火热上映的《复仇者联盟4》中有一段讲述了星散各地的超级英雄再度集结,共分为5个小分队分别穿越不同时代去搜集无限宝石,以此逆转灭霸。事实上,五条叙事线并没有内在的联系,但总结观众的观影感受,反而觉得这一段落最具娱乐性。

观众对于两部影片产生的不同的观影理解引起了朱利赟的思考,到底是什么原因造成这样的结果?究其原因,朱利赟认为,一方面与漫威电影宇宙前十年、二十多部电影的铺垫有关。观众可以很清晰的了解《复仇者联盟4》的故事背景、明白每个超级英雄的行为,所以多线叙事并没有影响观众的观影理解,甚至在回忆场景的时候,还能引发观众的怀旧情绪。而《云图》则刚好相反,影片一开片六条叙事线就齐头并进,使影片更像拼图一样,需要观众花费更多的时间和精力捋清楚每个人的行为。

除了建立流程化,前期准备工作也要做足。像《密室大逃脱》就在前期花了两个多月来设计一些动画的预设,后期基本都用上了。前期的工作既可能是帮助后面做减法,也可以帮助后期做提升。提前预制出五六十款分屏组合,借鉴美漫的形式,来与综艺结合,通过不同的剧情再去微调细节。整体制作看起来简单,呈现的过程是非常不容易的,这个过程非常繁琐但又不可或缺。奇迹每天都在发生,也预祝行业更好!

另一方面,朱利赟认为原因在于平行蒙太奇叙事的一般原则性。第一个原则是统一主线、统一目的,如果影片想要遵循原则,那么无论整个故事有多少分支叙事,都需要有一个统一或相近的目的,引导观众不断深入观看。在《复仇者联盟4》中,虽然超级英雄们分开行动,但最终的目的只有一个,就是寻找宝石,这就是埋在影片中很深的一条主线。反观《云图》,六条叙事线各有目的性,但统一的目的性并不强。在朱利赟看来,与生活中区分好与坏、对与错无法跨越的原则不同,电影中的原则是区分黑与白,是可以跨越的,《云图》恰恰打破了这一原则。片中六条线分别发生在不同时代,不可能有一个共同的任务。这也正是《云图》的特殊之处,它给了观众自行拼接的权利,观众可以选择是否拼接,也可以选择如何拼接。

第二个原则是片长的把控。从叙事角度出发,往往是越短越好看。但这里需要打一个问号,影片追求的到底是表达还是好看?要避免为了剪短而剪短。

那么剪辑中,如何遵守片长的把控原则呢?朱利赟认为,首先要根据最终作品类型来确定时长,如《一出好戏》的电影版和剧版的片长就不同,分别为120多分钟、200多分钟。另外片长也取决于影片的最终目的。“如果你想让观众能够看明白这部影片,那么就要找到主线并尽量向上靠,常用的办法有统一任务、统一情绪等,其实添加音乐也是一个行之有效的办法。”《一出好戏》在剪辑中,共花费了小半年才找到并确定主线,仔细看会发现,电影版和剧版的主线并不同,其实剧版更贴近剧本采用了多线叙事,而电影版则是统一主线。在音乐添加上,朱利赟以德国烧脑科幻剧《暗黑》为例介绍,片中采用了多线叙事,包含各个年代的大量人物与故事情节。为了让观众更能清晰的记住这些人物,每集都会设有一个唱歌的段落,段落会展现一个人物在不同时代的状态,这样一来观众就能快速记住人物。

如果真的有片长限制该怎么办?朱利赟分享了三种可以选择的处理方式。第一种方式是把节奏剪的更紧,这也是最直接的方式。其好处在于可以保留下来最想要的东西,但问题在于治标不治本,没办法做到大量缩减时长。第二种方式是剪戏、剪线索,保留与主线、主要人物有关系的内容。其好处在于可以大量缩减时长,但缺点是观众只能看到一条叙事线,整个架构不够饱满。“现在观众不愿意跟着《云图》那样的电影去思考的很大一个原因就是我们给他们看了太多‘一条线’的作品,让观众产生了习惯性的认识,所以看到不一样的东西会先否定。”第三种方式是改变叙事方式,业内最常用的就是平行蒙太奇剪辑。这一方法可以直接改变电影的样貌,也就是在剪辑台重新做编剧工作,将“精华”保住,让观众看的更明白,便于提升本身叙事的类比性。不过在实际的剪辑工作中,朱利赟还是坚持在有效地剧作下尽量实现达成并提升剧作。《绣春刀》在剪辑的时候就因为一些客观因素改变了叙事方式,在此结构上又重新紧缩了节奏,最终取得了意外的效果。

在主线统一和片长把控的基础上,平行蒙太奇叙事的一般原则性的第三个原则是注重情感的表达。《复仇者联盟4》中的超级英雄在跟随主线寻找宝石的同时就融入了不少感情戏,如雷神重回妈妈去世那天与妈妈告别、钢铁侠为了与父亲见一面回到他出生那天等等。

关于是否遵循平行蒙太奇叙事的一般原则性、遵循到什么程度,在朱利赟看来,更多的取决于对项目本身理解之后的预期目的。遵循原则的好处在于门槛相对较低,可以为观众提供一个“交流台阶”,从而吸引观众进一步理解影片。而打破原则虽然有创新性,但也要考虑不被普通观众认同的风险。那为什么会有观众不认可,与观众之间产生这层“隔膜”在哪呢?对此,朱利赟认为“普通观众看电影看的更多的是故事、内容,而包括导演、剪辑师等从业人员在注重内容的同时更注重内容的表达以及手法的使用,两者之间就是故事与讲故事的区别,这也是为什么普通观众与业内人对《云图》产生不同观影感受的原因之一。”而这层“隔膜”其实可以通过剪辑有效破除,不过仍需结合影片本身来最终决定是否适合使用平行蒙太奇叙事,能不能有效地将内容传递给观众。同时,作出最终决定的不应仅有剪辑师,更需要参与影片制作的人员来共同决定。

2018年11月,正值电影市场低潮,而电影《无名之辈》却低开高走,无论是票房还是口碑都堪称为一匹小黑马,力压同期上映的众多好莱坞续集。影片采用荒诞幽默的手法,围绕一群被社会忽视的小人物展开,讲述了他们看似平凡实则不凡的命运。尤其是影片紧凑的节奏、多线叙事的手法获得大批观众的认可与称赞。独特标志性的剪辑手法,正是由翎刻闪耀团队操刀完成的。“2019影像创作论坛”上,翎刻影视90后新锐剪辑师周元以关键词的形式和大家分享《无名之辈》的个人剪辑心得,包括对结构、人物、细节的理解,以及在剪辑夹带的“私货”。

《无名之辈》开头部分是两个低配劫匪李海根、胡广生进入身体瘫痪却性格彪悍的毒舌女马嘉旗家中的戏份。这场戏中,先是两个劫匪发现自己被网友恶搞的视频,接着毒舌女因瘫痪而尿失禁。在周元看来,剪好一场戏首先要找到重点关注的人物,然后进入到这个人物,尝试去了解他的感受。“在这场戏我关注比较多是马嘉祺这个女孩,而从她的感受出发,那么我觉得关键情绪就是恐惧,是对失去尊严的一种恐惧,我理解她最恐惧的其实是两个正在失去尊严的人帮她清理她的身体。”为了让观众能够进入到马嘉祺这个人物,周元也有意地保留了更多她的素材。

在《无名之辈》中,角色之间的强弱关系经常会发生变化,带给观众耳目一新的幽默感。具体到影片中,比较典型的场景是影片开始黑社会老大刘宇先是威风凛凛,后又被人打的像“猪头”。这段戏的剪辑处理,对于奠定影片幽默的风格非常重要。“我看这场戏的时候,其实我就想把刘五剪成一个学校孩子王的形象,马先勇更像一个被欺负的孩子,所以前面我用了很多慢镜头来强化。”但事实上,原素材中并没有很多刘五的镜头,根据原有素材完全可以突出马先勇很热血,但为了凸显出强弱关系的变化,周元特别把刘五被打的很惨的镜头剪了进去,与之前刘五威风的画面形成了反差对比,“我认为这样处理所带来的幽默感是不张声色的。”

在周元看来,素材的选择呈现会给影片带来很多不一样的影响,比如《无名之辈》中马先勇在学校办公室的戏份就尝试了两种剪辑方案。最初结合原有的素材,周元从女儿马依依的角色出发,表达了她对父亲的一种很复杂的情感,“这样处理其实情绪也很饱满,也很有看点,但最后经过和导演商议还是觉得将焦点落在马先勇这个角色。”片中先是通过拖欠学费、在女儿同学面前打她,给观众他不是一个很负责的爸爸的形象。但后面当他听见市里发生案件后,急忙赶向案发现场,好像瞬间变为另外一个人,与前面不负责的形象形成对比,带来幽默感。

不仅在画面上可以选择,选择不同的声音也会给观众带来不同的观影感受。比如马先勇在从学校离开回到车里的戏份中,原本的素材可以剪成马先勇和导演有很重要的戏份,但周元尝试了另外一种方案。实际剪辑中,周元放大了车里电台的声音,降低了车外警察说话的声音。这样处理更能将观众代入到马先勇的内心,充分体会他当时内心的感受,也就是两耳不闻窗外事,一心只关心案子。值得一提的是,马先勇开车赶往现场的素材原本其实是拍成了很慢的跟踪戏,这里其实是“偷”过来的。“后期剪辑其实是有很大创作空间、创作可能的,在某一场戏中,如果需要重点凸显某人物的某种状态,可以从素材上‘下手’,也可以尝试更多的剪辑方案。”

按摩师肇红霞被审讯的片段在《无名之辈》中共出现了三次,分别在影片的开片、中间及最后的部分。“剪辑的时候一定要相信自己的第一直觉,这场审问的戏,其实在剧本中并不在这个位置。但当我第一次看片的时候,我就很确定要把这场戏放在开头。”与大家理解的倒叙处理不同,之所以周元将其放在开片,是因为这个片段中包含了大量黑色电影中的元素,如整个审讯室的环境、被审讯的漂亮女人、持枪抢劫等,能突出影片荒诞喜剧的风格和定位。另外,这场戏中,周元同样“偷用”了素材。仔细看会发现,这场戏中最后肇红霞有一个笑的表情,这样处理会带给观众她掌控所有东西,设了一个很大的局的感觉。关于素材的“偷用”和选择,周元表示:“一般周期允许的话,我会更希望能把素材都先看一遍,但我个人认为最重要的一点应该是对这样戏的理解,要抓住戏点并且拥有一些自己的观点。”

《无名之辈》整个故事其实是在一天内发生的,为突出这一时间概念,周元建议导演可以在片中增加一些时间的元素。影片中有个场景,在一座桥上有个很大的钟,其实原本那里并没有钟,是经过特效制作处理的,而且钟是倒放的。从钟表这个很象征的东西就可以看出影片故事的架构、时间是倒的,而且是快进的。在一些具体的镜头处理上,也可以用抽象的时间概念来连接。片中有一段马先勇和其他人在车里聊天的场景,这一场景是《无名之辈》中唯一一场不是发生在一天之内的戏。对于这场戏的位置大家都很头疼,但由于剧情的关系,又没办法扔掉这场戏。最终就通过抽象的时间概念,也就是用这个片段的中午12点去连接前一晚12点。我觉得在剪辑过程中还是要适当发挥个人的联想能力。”

在影片的结尾处,不少观众会联想到命运、宿命。和大家不同,周元更多的还是想聚焦在片中小人物真切的情感上,比如《瞎子》音乐段落,就落在了几对恋人告别上。这段会把劫匪李海根女朋友真真的镜头交叉剪辑,以此让观众感觉他们其实处于同一空间。包括真真在车内镜头的故意留长,都会增强禁锢的感觉,而通过这些细节镜头的不断累积,片尾整段的主题属性就会随之发生一些改变。包括将高翔和他的恋人马依依,以及高翔和他爸爸高明杰剪在一起,同样带给观众一种诀别的感受。“对于我来说,如果能找到一个情感共鸣的话,其实处理这些段落的时候会更好。”